在多年的钢琴教学中，我发现学生对一些问题不够明确、重视。下面我谈谈几个问题。

 

一、良好手型的重要性

 

在弹琴过程中手型不正确，手指不到位，必定会影响发音质量，达不到预期的效果。这对于初学者来说尤其重要。

 

正确的手型是:手指自然弯曲，手型呈半圆状，掌关节支撑起来，手指的其它关节也要凸出站好。手腕基本上与琴键保持平行，手腕不要拱起来。特别是掌关节的支撑部位。如果做个比喻的话，手型就像是一个结实的帐篷。帐篷的顶部就如同掌关节，而五个手指则像钉在地下的锲子掌关节起着重要的支撑作用。

 

对于初学钢琴的学生来说，培养科学、正确的手型是非常必要的。但是从另一方面讲，手型不是绝对的、固定的、僵硬的。特别是当学生弹的程度较深，手指有了一定的功力时，也可以说是具有一定的“内功”时，演奏者为了表现乐曲的某种风格和音色，需要适当地调整手型和手指触键的位置。

 

掌关节的支撑是非常重要的。教学中看见学生由于掌关节软塌，导致手腕顶起，声音通不到指尖，发出的声音也不集中，声音发不到“点”上。我们试想一下:当我们敲锣时，所用的锣锤是一个塑料充气的锤子，那么我们不论用多大的力，也不能敲出悦耳、明亮的声音。所以，掌关节不能很好地支撑，也就无从谈到声音的传送，声音也就不可能发到“点”上。

 

还应该重视的是，不少学生错误地认为，弹弱音时手也应该是软弱的。当他们一遇到弹轻音的地方，手立刻像泄了气的气球一样软了下来，结果是弹出来的声音既虚飘又松散，不能发出集中、清晰的声音。应该明确强调:不论是弹奏强音还是弱音，手的架子、掌关节都应该是支撑住的。

 

二、大指与小指的作用

 

大指在钢琴弹奏中的功能很多，正确使用特别重要。弹奏音阶或音阶曲调时，大指成为连接的关键，穿指、跨指便是第二关节最擅长之处。但在大指独立弹奏时，第二关节不用左右动，只跟着指尖上下动。大指的独立弹奏是依靠指根部位(腕横纹旁)为轴，指尖上下移动。指根与指尖呈杠杆状，大指第二关节正处中央，它凹陷了，这个杠杆就“断”了。弹奏时指尖无力，活动受阻，动作迟缓。弹六度、八度时由于大指杠杆是“断”的，与小指不能形成钳形支撑;弹分裂六度、分裂八度时更不能均匀所以这个毛病必需解决，解决方法是:

 

①多做大指操使第二关节向外突出，使“虎口”的肌肉撑薄。

 

②提腕下落时大指快速撑开，为弹奏做准备。

 

③大指在下键的瞬间迅速撑开，在琴声响后大指尖站好。照此反复练习。

 

小指在五个手指中长得瘦小，但是他扮演着重要的角色。如:左手伴奏的根音、右手多声部中的高音旋律等等。可是，学生在练琴时往往忽略它的重要性。在弹琴时小指躺着弹，掌根立不起来。我们想一想，小指本身长的就弱小，假如再躺着弹琴，那只能使小指更短、更软，不能担当好自己所扮演的“角色”。因此，弹琴时小指一定要立起来，掌关节支撑好。

 

小指练习的方法是:多慢速练习断奏，第一关节、掌关节凸出。让小指在琴键上多“挂”一会儿，体会到支撑的感觉，以增强小指的力量。小指在练习时还应注意“到位”。“到位”的意思即:小指与琴键保持平行。同时肘部可根据小指的位置调整、打开，以利于手臂的力量通向指尖。

 

三、慢练的意义与作用

 

慢速练琴是一个十分重要的学习环节。它可以把技术难点、读谱准确、音乐表达等等方面做得更细致深人。慢练可以强化手指的力量、增强手指的独立性灵活性。同时慢速练习能够更充分地体验、感受到声音、触键、力度等等方面的问题。

 

可是在实际情况中，存在着不少学生不喜欢也不会慢练的状况。他们看似快速地一遍遍“过瘾”地弹奏着，以至于乐曲中出现的错音、技术上出现的问题也全然不顾。这样长期“不到位”快速地弹奏着，一定会带来许多弊端。如:手指更软、声音不清晰、不均匀等等。另外，在大量“快速”练习中，开始时问题还不明显，学生误认为这样练习很好。但是经过时间的考验，他们的问题就暴露出来了，这样反而影响了学习进度和学习效率。

 

在乐曲中的难点处一定要采取攻关的态度反复慢练。我们应该明确，不是弹得越快越好(“弹”的快就是好，这种错误观点在学生、包括家长中反映很普遍)。我认为:宁可要慢速度的好(质量)，也不要快速度的坏(质量)。

 

练习时的速度也要合适，慢速练习如果是消极的、懈怠的、停滞的练习，那将失去了慢练的真正意义，我们清楚慢练不是最终的目的。因此，在慢练时心中应该明白，我们最终所应达到的快速弹奏速度。这样才能够慢练与快速“挂上钩”，自然的衔接上。所以，学生在慢练时应该保持积极的、集中的练习状态。慢速练习时，下键速度与快速练习中的下键速度应该是基本相同的。“慢速快下键”有利于自然地过渡到快速弹奏上来。

 

四、音乐形象的表达

 

音乐形象往往被人看成是抽象的艺术。但音乐不是音符和节奏的拼凑。音乐形象化就是把抽象的音符具体化，按照一定的形式、结构、内容、感情意境表达的规律，也就是把无声的“画面”连贯起来演奏成富有立体感染力的音响效果，描绘表达一定的情感和内容。音乐是形象思维的特定形式，无声的作品，必须通过演奏者的再创造来体现作者的意图，使之赋予生

 

命。如果只有一堆音符的排列，那么即使技巧再高也会像白开水一般，是不可能赢得听众的。其实“音乐也是一种语言，一种通过音响说话的语言，有它的文法和表达思想感情的规律”可循。只要我们仔细分析研究，是可以捕捉到音乐形象的，但有了想象力，要具体在乐器上表达出来，还得反反复复不断练习，通过熟练的技巧寻找到恰如其分的音乐形象表达。

 

事实证明音乐形象的表达是不容易捕捉到的，表达的形象有深浅之别。要提高艺术水平必须扩大知识面，多听多看培养内心的感知，提高文化素质，不仅需要了解曲作者生平、写作背景，还要分析掌握曲式、结构、对比大段落，高、低潮布局形式的来龙去脉，到各乐句的组成，这样才能通过熟练的技巧恰如其分地表达出音乐形象，音乐形象的表达是无止境的。它会随着人的经历、年龄的变化而不断丰富完善。当每一个作品弹到八九成熟的时候，一般人往往就放过了，但是对精弹的作品，教师要抓住时机“火候”，进一步启发学生通过自己内心的感受，使音乐形象升华。音乐形象的表达不可能超越原来的基础的能力水平。因此作为教师，有责任教给学生掌握钢琴弹奏技术和表演艺术，要以最美好的心灵，丰富的想象力去启发学生的思维、听觉和内心感知，使学生积极热情地投人到音乐的意境中去。

 

五、音乐情感的激发

 

所谓音乐情感，是指人与音乐交互过程中所产生的包括各种人类感情因素的心理过程，是人类自然情感的升华。从音乐时间来看，作曲家在作品中所表现的事物有时可能是相对具体的，有时也可能是比较模糊的，而听众则常常把听到的音响变为某种情感的体验。

 

钢琴，作为音乐家族中的重要成员，同样需要具备音乐情感的表现力。没有音乐情感的表现，就不可能完成音乐表演和音乐审美体验的全部。因此，“音乐情感”的培养，在钢琴教学中显得尤为重要。马克思说过:“如果您愿意欣赏艺术，你就必须是一个有艺术感受性的人。”也就是说:音乐的感受是有一定条件的，有准备的。而音乐欣赏主体的情感共鸣，也常常是在充分体验了音乐的内涵以后才产生的。没有音乐基础知识，对音乐情感无辨别能力的学生就不大可能学好钢琴，因此必须将音乐情感的激发贯穿于钢琴教学的始终。

 

用以下几种方法能够使学生在一种正常的心态下学会用钢琴来表现情感。断音弹奏法。从动作上讲非常简单，即弹下去，提起来。从要领上讲，要强调肩、臂、腕的放松，指关节的站立，靠关节的支撑作用。如果教师单纯地强调这种弹奏法，加上学生不自信的表现，便无法谈放松，即便反复地强调“放松、放松”，也只能造成学生的“紧张、紧张”让学生在愉快的情绪中体验音乐，从感知到想象，从情感到理解来完善整个教学过程，从一开始就受到美的启迪。第一步:教师让每一个学生亲身感受断奏的力度。第二步:教师在钢琴上正确地演示断奏的方法。第三步:学生边听边联想，想象自然界中与之相似的声音。第四步:让学生带着特定的情感来弹奏，如